Knowns-Era

জর্জেস দ্য লা ট্যুর একটি গুরুত্বপূর্ণ পৃষ্ঠপোষকতা লাভ করেছিলেন ডিউক ডি লরেন থেকে, এবং ১৬৩০ এর শেষের দিকে তিনি রাজা লুই ১৩-এর নজরে আসেন। রাজা এতটাই মুগ্ধ হন যে, শোনা যায় তিনি বলেছিলেন যে লা ট্যুরের একটি চিত্রকর্ম একমাত্র সেই চিত্রকর্ম হবে যা তাঁর শয়নকক্ষে টাঙানো হবে, আর আগের সব চিত্রকর্ম সরিয়ে ফেলা হবে। ১৬৩৯ সালে চিত্রশিল্পীকে প্যারিসে পাঠানো হয়, যেখানে রাজা তাকে ১,০০০ ফ্রাঁ প্রদান করেন এবং তাকে "স্যার জর্জেস দ্য লা ট্যুর, রাজপুত্রের চিত্রশিল্পী" উপাধি দেন। যদিও লা ট্যুরের অনেক কাজ হারিয়ে গেছে, তবুও মনে হয় তাঁর ধর্মীয় চিত্রকর্মগুলোতে সাধারণত কম এবং আরো বিস্তারিত চরিত্র থাকে (সাধারণত এক বা দুই জন ব্যক্তি), কিন্তু তাঁর নৈতিকতা বিষয়ক চিত্রকর্মগুলো, যেমন "দ্য ফরচুন টেলার", বেশি ভিড়বহুল হয়। এই চিত্রকর্মে, একজন ফ্যাশনেবল পোশাক পরা যুবক অহংকারপূর্ণ ভঙ্গিতে দাঁড়িয়ে আছেন, এবং সে এতটাই ভাগ্যবক্তার দৃষ্টি আকর্ষণ করেছে যে সে লক্ষ্যই করে না যে তার পকেট থেকে টাকা চুরি করছে তার তিনজন সহকারী।

১৯১৭ সালে মেট্রোপলিটন মিউজিয়াম অফ আর্ট "ম্যাডামোয়াজেল শার্লট দ্যু ভ্যাল দ'অগনেস" নামে একটি অস্বাক্ষরিত পোর্ট্রেট সংগ্রহ করে, যা তারা মনে করেছিল যে আঁকা হয়েছে জ্যাক-লুই ডেভিডের দ্বারা। বসন্তী শ্বেত রঙের টিউনিক, গ্রিক পিরামিডের মতো কোঁচানো চুল এবং স্পার্টান পরিবেশ এই অনুমানকে সমর্থন করেছিল। কিন্তু ১৯৫১ সালে, মিউজিয়ামের তখনকার পরিচালক চার্লস স্টারলিং সিদ্ধান্ত নেন যে এটি আসলে ডেভিডের একজন ছাত্রী, কনস্ট্যান্স মেরি শারপেন্টিয়ার দ্বারা আঁকা হয়েছে। এরপর থেকে, এই ছবিটি, যা মেটের একটি জনপ্রিয় এবং সম্মানিত শিল্পকর্ম, এটি শারপেন্টিয়ার বা একই সময়ের আরেক নারী চিত্রশিল্পী মেরি-ডেনিস ভিলার্সের কাজ কিনা, তা নিয়ে শিল্প ইতিহাসবিদ এবং সমালোচকদের মধ্যে তর্ক-বিতর্ক চলছে, যদিও বর্তমানে মেট এটি ভিলার্সের কাজ হিসেবে চিহ্নিত করেছে।এই অসাধারণ, উজ্জ্বল চিত্রটি যে নারী চিত্রশিল্পী তার আঁকা টেবিলের সামনে বসে আছেন, তা দুই নারী শিল্পীর মধ্যে এক অদ্ভুত পরস্পরের শ্রদ্ধার চিত্র হিসেবে দেখা যেতে পারে।

জর্জ কেলেব বিংহামের চিত্রকর্মগুলো উত্তর আমেরিকার সীমান্তবর্তী হারানো পৃথিবীকে অমর করে রেখেছে। বিংহামের প্রকৃতির প্রতি গভীর শ্রদ্ধা ১৯ শতকের মধ্যভাগের অনেক রিয়ালিস্ট চিত্রশিল্পীর বৈশিষ্ট্য হলেও, তিনি এই সৌন্দর্যকে বর্ণনা করেছেন একটি অনন্য রঙ ও আলো ব্যবহারের মাধ্যমে। পেনসিলভানিয়া একাডেমি অব ফাইন আর্টসে কয়েক মাসের প্রাতিষ্ঠানিক প্রশিক্ষণ সম্পন্ন করার পর, বিংহাম ইউরোপ এবং উত্তর আমেরিকা ভ্রমণ করেন এবং পরে মিসৌরিতে বসবাস শুরু করেন। সেখানে তিনি প্রকৃতির দৃশ্য চিত্রিত করতে এবং সম্প্রতি সেই এলাকা দখল করা মৎস্যজীবী ও শিকারীদের চিত্রায়ণ করতে নিজেকে নিবেদিত করেন। ১৮৫৬ সালে বিংহাম জার্মানির ডুসেলডর্ফে গিয়ে অধ্যয়ন করেন এবং সেখানে চিত্রশিল্পের একাডেমিক শৈলী আয়ত্ত করেন, যা পরে তিনি মিসৌরি বিশ্ববিদ্যালয়ে শিল্পের অধ্যাপক হিসেবে পড়ান। তার পরবর্তী চিত্রকর্মগুলো প্রায়শই শুষ্ক রূপকল্প এবং রাজনৈতিক স্বার্থের প্রতি এক ধরনের সংকীর্ণ দৃষ্টিভঙ্গির জন্য সমালোচিত হয়, যা তার স্থানীয় রাজনীতিক জীবনের প্রভাব।

নিউ ইয়র্কের মেট্রোপলিটন মিউজিয়াম অব আর্টে একবার গেলেই যে কেউ ইমানুয়েল লেইটজের *ওয়াশিংটন ক্রসিং দ্য ডেলাওয়ার* ছবিটি ভুলতে পারবেন না। ১২ ফুটেরও বেশি উঁচু এবং ২১ ফুট প্রশস্ত এই ছবি আসলেই জীবনের তুলনায় বড়। ছবিটি ১৭৭৬ সালের ২৫শে ডিসেম্বর, নিউজার্সির ট্রেনটনে ব্রিটিশদের ওপর আকস্মিক প্রভাত আক্রমণের জন্য বরফে ঢাকা নদী পারাপার করতে থাকা ওয়াশিংটন এবং তার সেনাদের দৃশ্য তুলে ধরে। লেইটজে নাটকীয়তার মাত্রা বৃদ্ধি করতে এবং দর্শকের মনের গভীরে আবেগ সৃষ্টি করতে নানা কৌশল ব্যবহার করেছেন: বিছিন্ন বরফের টুকরো, খোঁড়া ঘোড়া, আহত সৈন্য, এবং একটি প্রভাত তারা বিপদ, সাহস, এবং আশা প্রকাশ করে। মহিমান্বিত ওয়াশিংটন দৃশ্যের কেন্দ্রে গম্ভীর ও দাঁড়িয়ে রয়েছেন। অদ্ভুতভাবে, আমেরিকার এই প্রতীকটি আসলে জার্মানিতে আঁকা হয়েছিল। জার্মান-আমেরিকান লেইটজে আমেরিকান শিল্পী শিক্ষার্থীদের, যারা বিখ্যাত ডুসেলডর্ফ একাডেমিতে পড়াশোনা করতেন, তার মডেল হিসেবে বেছে নেন।

শিল্পী রোজা বণহুর জন্মগ্রহণ করেছিলেন বোর্দো শহরে এবং তাঁর পিতা, শিল্পী রেমন্ড বণহুর থেকে শিল্পের মূলসূত্র শিখেছিলেন। তাঁর শৈলী জীবনের পুরো সময়জুড়ে খুব কম পরিবর্তিত হয়েছিল, এবং তা রিয়ালিজমের ভিত্তিতে ছিল। রিয়ালিস্ট শিল্পীরা গাস্তাভ কুরবে ও জঁ-ফ্রাঁসোয়া মিলে যখন কাজ করছিলেন, রোজা বণহুরের কাজও প্রকৃতি থেকে নিখুঁত পর্যবেক্ষণের সাথে অসাধারণ কারিগরি দক্ষতার সমন্বয় ছিল। তিনি প্রাণী বিশেষ করে ঘোড়ার প্রতি গভীর ভালোবাসা অনুভব করতেন, এবং তাঁর চিত্রকর্মে প্রাণী, তাদের প্রকৃতি ও শারীরবৃত্তি সম্পর্কে গভীর উপলব্ধি স্পষ্টভাবে ফুটে ওঠে। তাঁর বিশাল ক্যানভাস "ঘোড়ার মেলা" শিল্পীর সবচেয়ে বড় কাজ হিসেবে বিবেচিত, কিন্তু এটি তাঁর অন্যান্য কাজের তুলনায় অস্বাভাবিক। যদিও ছবির ভিত্তি রিয়ালিস্ট, তিনি রোমান্টিকদের রঙ ও অনুভূতির সমন্বয়ে বিষয়টিকে উপস্থাপন করেছিলেন, এবং বিশেষভাবে থিওডোর জেরিকলটের কাজের দ্বারা প্রভাবিত ছিলেন, যিনি নিজেও ঘোড়ার এক মহান প্রশংসক ছিলেন।

থমাস একিনস ১৯শ শতকের অন্যতম মহান আমেরিকান চিত্রশিল্পী ছিলেন, যিনি তার চিত্রকর্মে শক্তিশালী এবং মাঝে মাঝে চমকপ্রদ বাস্তববোধ সঞ্চারিত করেছেন। তিনি তার জীবনের বেশিরভাগ সময় ফিলাডেলফিয়াতে কাটিয়েছেন, যদিও এই চিত্রটি তার ক্যারিয়ারের শুরুতে আঁকা, যখন তিনি ইউরোপে চার বছর অধ্যয়ন শেষে (১৮৬৬ থেকে ১৮৭০) দেশে ফিরে এসেছিলেন। ফ্রান্স এবং স্পেনে তার সময় কাটানোর পর তিনি স্বাভাবিকভাবেই নিজের দেশে ফিরে এমন কিছু দৃশ্যের প্রতি মনোযোগী হতে চেয়েছিলেন, যা তিনি বিদেশে থাকার সময় মিস করেছিলেন, বিশেষত নৌকাবহনের দৃশ্য, যা নিয়ে তিনি ১৮৭০ থেকে ১৮৭৪ সালের মধ্যে কয়েকটি চিত্র আঁকেন। এর মধ্যে এটি সম্ভবত সবচেয়ে বিখ্যাত। এতে তার শৈশবের বন্ধু, ম্যাক্স শ্মিট, আমাদের দিকে ফিরে তাকিয়ে আছেন। একিনস তার পরিচিত মনোযোগী ও যত্নশীল শৈলীতে পুরো চিত্রের সজ্জা এমনভাবে সাজিয়েছিলেন, যাতে শ্মিটের সম্মানজনক একক স্কাল রেসের সাম্প্রতিক জয়ের উল্লেখ পাওয়া যায়।

জন সিঙ্গার সার্জেন্ট, একজন আমেরিকান নাগরিক যিনি মূলত ইউরোপে বেড়ে উঠেছিলেন, প্যারিসে বসবাসের সময় তার ক্যারিয়ারের একেবারে শুরুতে এই অসাধারণ প্রতিকৃতি আঁকেন। তিনি আশা করেছিলেন যে এই চিত্রকর্ম তাকে খ্যাতি এনে দেবে, এবং তা সত্যিই করেছিল—তবে তিনি যেমনটি কল্পনা করেছিলেন, সেভাবে নয়। চিত্রকর্মটি প্রদর্শিত হওয়ার পর তা বিশাল কেলেঙ্কারির জন্ম দেয়, যা সার্জেন্টকে ফ্রান্স ছাড়তে বাধ্য করে। তিনি ভার্জিনি গাত্রো, সমাজের বিখ্যাত এক সৌন্দর্যবতী নারীকে অনুরোধ করেছিলেন তার প্রতিকৃতি আঁকার জন্য। ভার্জিনি ছিলেন এক ধনী ফরাসি ব্যাংকারের স্ত্রী এবং নিজেও একজন আমেরিকান। তিনি রাজি হলেও চিত্রাঙ্কনের কাজ খুব ধীরগতিতে চলছিল, কারণ ভার্জিনি ছিলেন অস্থির মডেল। অনেক সময় সার্জেন্ট তার সৌন্দর্যকে "অঙ্কন-অযোগ্য" বলে মনে করতেন। তিনি বারবার চিত্রকর্মের গঠন পরিবর্তন করেন, অবশেষে এমন এক ভঙ্গি ঠিক করেন যা ভার্জিনির স্বতন্ত্র প্রোফাইলকে ফুটিয়ে তোলে। ১৮৮৪ সালে এটি প্যারিস সেলুনে প্রদর্শিত হয়। যদিও মডেলের নাম আনুষ্ঠানিকভাবে প্রকাশ করা হয়নি, তবে ভার্জিনি এতটাই খ্যাতিমান ছিলেন যে দর্শকরা সহজেই তাকে চিনে ফেলে।

মেরি ক্যাসাটের চিত্রকর্মগুলো প্রথম দেখায় শান্ত ও অনানুষ্ঠানিক মনে হলেও, এগুলোর ভেতর লুকিয়ে থাকে গভীর আবেগ, নাটকীয় উত্তেজনা এবং মনস্তাত্ত্বিক অন্তর্দৃষ্টি। পেনসিলভানিয়ায় জন্ম নেওয়া ক্যাসাট ১৮৭৪ সালে প্যারিসে বসবাস শুরু করেন এবং তিনিই ছিলেন একমাত্র উত্তর আমেরিকান নারী শিল্পী, যিনি ফরাসি ইমপ্রেশনিস্টদের সঙ্গে প্রদর্শনীর জন্য আমন্ত্রিত হন। "Lady at the Tea Table" চিত্রকর্মে ক্যাসাট তাঁর মায়ের প্রথম চাচাতো বোন, মিসেস রবার্ট মুর রিডলকে অঙ্কন করেন। এই চিত্রকর্মটি বিশেষভাবে চমকপ্রদ, কারণ এতে বিষয়বস্তুর দৃঢ় ব্যক্তিত্বের ছাপ স্পষ্টভাবে ফুটে উঠেছে, আর রেখা ও রঙের সংযত কিন্তু গভীরভাবে অর্থবহ ব্যবহারের মাধ্যমে চিত্রটি আরও মর্মস্পর্শী হয়ে উঠেছে। মিসেস রিডলের কন্যা তার মায়ের বাস্তবধর্মী চিত্রায়ণ—বিশেষ করে নাকের আকৃতি—দেখে অসন্তুষ্ট হয়েছিলেন, তবে ক্যাসাট নিজে এই চিত্রকর্মটির প্রতি এতটাই মুগ্ধ ছিলেন যে, এটি দীর্ঘদিন নিজের কাছেই রেখেছিলেন। পরবর্তীতে, ১৯২৩ সালে, তিনি এটি নিউ ইয়র্কের মেট্রোপলিটন মিউজিয়াম অফ আর্ট-এ উপহার দেন।

আন্দার্স জর্ন তাঁর জলরঙের চিত্রকর্মের জন্য প্রথম থেকেই প্রশংসিত হন। ১৮৮০-এর দশকে তিনি বিস্তৃত ভ্রমণ শেষে প্যারিসে বসবাস শুরু করেন এবং তেলের চিত্রাঙ্কনে মনোনিবেশ করেন। পরবর্তী কয়েক বছরে তিনি এমন সব শিল্পকর্ম সৃষ্টি করেন, যা তাঁকে যুগের অন্যতম জনপ্রিয় সমাজচিত্রশিল্পী হিসেবে প্রতিষ্ঠিত করে। জর্ন যখন দ্বিতীয়বার আমেরিকা সফরে যান, তখনই তিনি মিসেস ওয়াল্টার রাথবোন বেকন (ভার্জিনিয়া পার্ডি বার্কার)-এর এই চিত্রটি আঁকেন। ভার্জিনিয়ার চাচাতো ভাই, জর্জ ওয়াশিংটন ভ্যান্ডারবিল্ট দ্বিতীয়, তখনই বিখ্যাত চিত্রশিল্পী জন সিঙ্গার সার্জেন্ট—যিনি জর্নের অন্যতম প্রধান প্রতিদ্বন্দ্বী—দিয়ে তাঁর একটি প্রতিকৃতি আঁকিয়েছিলেন, যা দেশটির বৃহত্তম আবাস, বিল্টমোর হাউস-এর দেয়ালে স্থান পেয়েছিল। সম্ভবত এরই প্রতিক্রিয়ায় ১৮৯৭ সালের শুরুতে ভার্জিনিয়ার স্বামী জর্নকে দিয়ে এই প্রতিকৃতি আঁকানোর উদ্যোগ নেন। এই চিত্রকর্মে ভার্জিনিয়া রাজকীয় পোশাক ও মূল্যবান গয়নায় সজ্জিত থাকলেও, তাঁর ভঙ্গি স্বতঃস্ফূর্ত ও স্বাভাবিক। তিনি ঘরের পরিচিত পরিবেশে, তাঁর প্রিয় কুকুরের সঙ্গেই বসে আছেন, যা প্রতিকৃতিটিকে আরও প্রাণবন্ত করে তুলেছে। (রিচার্ড বেল)

এই চিত্রকর্মে জার্মান শিল্পী লুকাস ক্রানাখ দ্য এল্ডারের ওপর ইতালীয় রেনেসাঁর প্রভাব স্পষ্টভাবে প্রতিফলিত হয়েছে। "প্যারিসের বিচার" ছিল ক্রানাখের অন্যতম প্রিয় বিষয়বস্তু। গ্রিক পুরাণের এই কাহিনি তাকে নারীর নগ্ন রূপকে তিন ভিন্ন ভঙ্গিমায় উপস্থাপনের সুযোগ করে দেয়। তবে তার অঙ্কিত মানবদেহের গঠন সবসময় নিখুঁত ছিল না—যেমন এই চিত্রে বিশেষ করে সেই দেবীর বাঁ হাত ও কনুই লক্ষ করলে তা বোঝা যায়, যিনি দর্শকের দিকে পেছন ফিরে আছেন। এখানে ক্রানাখ পুরাণের এক জার্মান সংস্করণ উপস্থাপন করেছেন, যেখানে দেবতা মারকিউরি স্বপ্নের মাধ্যমে প্যারিসের সামনে জুনো, ভেনাস ও মিনার্ভাকে হাজির করেন এবং তাদের মধ্যে কে সর্বাধিক সুন্দর, সে বিচার করতে বলেন। তিন দেবী তার সামনে অঙ্গপ্রত্যঙ্গ উন্মুক্ত করেন এবং যার পক্ষে তিনি রায় দেবেন, তাকে প্রতিদান হিসেবে মহামূল্য উপহার দেওয়ার প্রতিশ্রুতি দেন। প্যারিস ভেনাসকেই নির্বাচিত করেন এবং তাকে এক সোনালি আপেল উপহার দেন, যা এখানে কাচের একটি গোলক হিসেবে আঁকা হয়েছে। ভেনাসের জয়লাভের প্রতীক হিসেবে শিল্পী চিত্রের উপরের বাঁদিকে তার পুত্র কিউপিডকে স্থান দিয়েছেন। — (লুসিন্ডা হকসলি)